[칼럼한입💬] 이우환과 모노하

필치와 색채가 극도로 제한된 이우환의 회화는 언뜻 보면 서양의 미니멀리즘을 표방한 것 같지만, 사실 그 안에는 매우 동양적인 철학이 담겨있습니다.

이우환 작가는 동양 최초의 자생적 예술 운동이었던 ‘모노하’를 주도한 대표적 인물인데요.

모노하(もの派)란, 물건 혹은 물체를 뜻하는 일본어 '모노(もの)'에 유파의 ‘파(派)'가 합쳐진 미술 사조로, 즉 '물체파'라는 뜻입니다. 물체파의 일본어 발음이 ‘모노하’인 것이죠.

모노하는 돌과 나무, 종이, 철과 같은 사물(모노)들을 가공하지 않고 있는 그대로 제시(presentation)하여, 작가의 개입과 조작을 최소화하는 전위 미술 운동입니다.

물체를 서로 떨어뜨리거나 기대놓으며, 물체와 물체 사이, 물체와 공간 사이, 그리고 물체와 인간 사이의 '관계'에 집중하고, 이를 통해 사물을 단순한 관조적 대상이 아니라 만남, 관계의 대상으로 전환시킵니다.

이미 너무 많은 사물들이 가공되어 포화상태가 된 지구를 바라보며, 서양의 물질문명에 반기를 드는 동양적 사상이 바로 '모노하'라고 할 수 있습니다.

유교적 가풍의 집안에서 태어나 시(詩), 서(書), 화(畵)를 배운 이우환 작가는 서울대학교에서 동양화를 공부하며 진로를 고민하던 중, 우연히 방문한 일본에서 철학에 관심을 갖게 되고 니혼대학 철학과에 다시 입학하게 됩니다.

철학을 전공하면서 사물과 세상의 ‘관계’를 본격적으로 탐구하게 되는데, 여기서 이 ‘관계’의 개념이 조각에서부터 회화까지 내내 이어지면서 이우환의 작품세계를 관통하는 핵심적 주제가 됩니다.

또한, '창조' 보다 있는 그대로의 ‘제시’가 진리에 더욱 가깝다고 생각해, 인간의 손으로 가공한 무언가보다 실제 사물과 자연에 집중했고 이는 이후 모노하 운동의 기초가 되었습니다.

초기 연작인 <점으로부터>, <선으로부터>는 처음에 묻힌 물감이 모두 소진될 때까지 한 획을 긋고, 이후에 다시 똑같은 획을 반복하며 일정한 점과 선들을 나열합니다. 이는 어린시절 서예를 배웠던 경험이 영향을 미친 것인데요. 반복된 행위와 시간성은 하나의 점이 다른 점으로 이어지면서 선으로 확장되며 시간을 함축합니다.

"붓을 장전하고 선을 그으세요.

처음에는 어둡고 두꺼운 것처럼 보이다가 점점 얇아지고 마침내 사라집니다.

선에는 시작과 끝이 있어야 합니다.

시간의 흐름 안에서 공간이 나타나고, 공간을 만드는 과정이 끝나면 시간도 사라집니다."

이후 <바람> 연작은 추위에 떨며 작업을 하다가 평행한 직선이 그려지지 않고 붓이 이리 저리 튀는 경험을 우연히 겪으면서, 점과 선 그 사이의 '공간'에 처음으로 주목하며 작업한 시리즈 입니다.

점과 선 연작이 시간의 관계를 나타냈다면, 바람부터 이후의 연작은 공간의 관계성을 이야기합니다.

이전의 수직, 수평 구조의 동일한 반복에서, 자유롭고 방향성 없이 움직이는 선을 통해 역동성을 나타내고, 직접적으로 보이는 규칙이나 인식할 수 있는 방향도 없이, 꺾이고 굽어지고, 겹치거나 중첩되며 마치 바람을 보는듯 캔버스에 막연한 공간감을 형성합니다.

90년대부터는 <조응(correspondence)> 연작을 작업합니다. 넓은 붓을 사용하여 최소한의 물감 자국만을 남기며, 흰 캔버스의 광활한 여백과 물감의 자국이 극단적인 대조를 이루도록 했습니다.

언뜻 보면 너무나 단순한 구조에 의문이 들 수 있지만, 이우환 작가가 본인의 작품을 ‘여백의 미술’이라고 칭할 정도로, 작가의 작품에서 여백의 의미는 상당히 중요합니다.

<조응>을 볼 때 많은 이들은 캔버스에 찍힌 점에 시선을 빼앗기지만, 이 점을 돋보이게 하는 것은 바로 ‘여백’의 존재입니다. 일반적으로 작품을 바라볼 때 사람들은 그림과 여백을 명확히 구분하게 되는데, 이우환의 작품에서는 여백조차 자연스레 그림의 일부로써 작용합니다.

심지어 그는 이렇게까지도 말합니다. “점은 그림이 아니라, 여백을 인식시키기 위한 최소한의 표식일 뿐이다.” 즉, 이우환의 작품에서 여백의 존재는 물감의 흔적과 관람객의 시선이 자유롭게 관계할 수 있는 일종의 공간인 것입니다.

2000년대 부터는 ‘조응’ 연작을 발전시켜 <Dialogue> 연작을 작업했는데요, 이제 캔버스와 관객, 공간사이의 ‘조응’은 더욱 밀접한 관계를 맺으며 '대화'하기 시작합니다.

물감이 칠해진 부분은 흰 캔버스와 관계를 맺는 동시에, 관객과도 소통할 수 있는 개방성을 띱니다.

이렇게 사물 - 사람 - 공간의 만남과 그 사이에서 이루어지는 ‘대화’를 통해 이우환이 궁극적으로 추구했던 것은 타자와 소통하며 서로를 인식하고, 나아가 서로의 차이를 존중하는 것이었습니다.

몇몇 비평가들은 그의 작업을 미니멀리즘의 표방이라고 했는데요, 작가는 이에 대해 짧은 의견을 남겼습니다. "서양의 미니멀리즘은 표현을 최소화하면서 결국은 자기를 크게 보이려는 것이지만, 내 작품은 표현을 자제하면서 바깥의 공간과 여운·떨림에 귀 기울여보라는 의미이다."

언뜻 보면 미니멀리즘같은 그의 작품은, 정신과 호흡을 극도로 통제하고 가다듬은 뒤 숨을 참고 한번에 찍어 내려야만 그려낼 수 있는 동양 사상의 극치를 담은 작업으로 볼 수 있습니다. 

1936, 경상남도 함안군 출생

1961, 니혼 대학 철학과 졸업
1967, 도쿄 사토 화랑 첫 개인전

1969, 상파울루 비엔날레

1971, 제7회 파리 비엔날레

2001, 제11회 호암상 예술상
2007, 레지옹 도뇌르 훈장 수여
2010, 가가와현 이우환 미술관 개관

2011, 뉴욕 구겐하임 미술관 개인전

2013, 금관문화훈장 수여

2014, 파리 베르사유 궁전 특별 초대전

2015, 뉴욕 페이스갤러리 개인전

2023, 교토국립근대미술관 개인전

2023, 서울 국제갤러리 개인전